Black Eyed Peas, Fatboy Slim, Ozuna, Serú Girán, Helloween, 5 Seconds of Summer, Cultura Profética, El Mató a un Policía Motorizado y Morat forman parte de una cartelera que convertirá al microestadio porteño en uno de los grandes centros de la música durante septiembre.

Buenos Aires se prepara para vivir un septiembre intenso. El Movistar Arena volverá a convertirse en uno de los principales puntos de encuentro para los amantes de la música, con una agenda que combina figuras internacionales, artistas consagrados y propuestas nacionales.

Durante todo el mes, el escenario de Villa Crespo recibirá recitales de distintos géneros y públicos. Desde el pop y la música urbana hasta el rock, el reggae y la electrónica, la programación promete una sucesión de noches con propuestas para todos los gustos.

Con capacidad para alrededor de 15 mil personas, el Movistar Arena se consolidó en los últimos años como uno de los espacios más importantes del circuito de espectáculos de la Argentina. Su calendario de septiembre confirma esa tendencia.

El mes comienza con Luzu TV

La actividad de septiembre comenzará el 1° de septiembre con una propuesta encabezada por Luzu TV.

Será el punto de partida de un mes que tendrá pocas pausas y que rápidamente dará paso a algunas de las figuras internacionales más esperadas por el público argentino.

Black Eyed Peas, una de las grandes citas

El 4 de septiembre llegará uno de los nombres más fuertes de la programación: Black Eyed Peas.

La presencia del grupo estadounidense representa uno de los grandes atractivos del mes y vuelve a poner al Movistar Arena en el centro de la agenda internacional de conciertos.

La banda, responsable de algunos de los éxitos más reconocidos del pop y la música urbana de las últimas décadas, será una de las principales convocatorias de septiembre.

Fatboy Slim trae la electrónica

Un día después, el 5 de septiembre, será el turno de Fatboy Slim.

El reconocido DJ y productor británico volverá a encontrarse con el público argentino en una noche dedicada a la música electrónica.

Su presencia confirma la diversidad de una cartelera que no se limita a un solo género y que busca reunir públicos muy diferentes a lo largo del mes.

Ozuna y el pulso de la música urbana

El 8 de septiembre, el escenario recibirá a Ozuna, uno de los artistas más populares de la música latina.

El cantante puertorriqueño será protagonista de una de las noches más esperadas por los seguidores del reggaetón y la música urbana.

Su presentación forma parte de una agenda que vuelve a mostrar la fuerte presencia de artistas latinoamericanos en los grandes escenarios argentinos.

Más shows durante la segunda semana

La programación continuará el 11 de septiembre con VWE, antes de una seguidilla de presentaciones que concentrará algunos de los nombres más importantes del calendario.

El 12 y el 20 de septiembre están previstas las presentaciones vinculadas a Serú Girán, mientras que el 13 de septiembre será el turno de Helloween, una de las propuestas más esperadas por los seguidores del heavy metal.

El calendario también incluirá dos funciones de La Reina del Flow, previstas para el 14 y 15 de septiembre, ampliando la oferta más allá de los recitales tradicionales.

5 Seconds of Summer llega al escenario porteño

El 16 de septiembre, la programación tendrá como protagonista a 5 Seconds of Summer.

La banda australiana volverá a convocar a su público en Buenos Aires en una de las fechas internacionales destacadas de la segunda mitad del mes.

La agenda continuará el 18 de septiembre con Cultura Profética, referente de la música reggae latinoamericana.

El Mató y una noche de rock argentino

El 19 de septiembre será el turno de El Mató a un Policía Motorizado, una de las bandas más representativas de la escena alternativa argentina.

Su presencia aporta una cuota de rock nacional a una programación marcada por la diversidad y confirma el lugar que los artistas locales mantienen dentro de la agenda del estadio.

Morat, el gran cierre de septiembre

El cierre del mes tendrá como gran protagonista a Morat.

La banda colombiana realizará una verdadera serie de presentaciones en Buenos Aires, con fechas programadas para los días 22, 24, 25, 26, 29 y 30 de septiembre.

Las seis funciones convierten a Morat en uno de los artistas con mayor presencia en la agenda mensual y anticipan una fuerte convocatoria para despedir septiembre.

La agenda completa de septiembre

El calendario previsto para el Movistar Arena incluye:

• 1° de septiembre: Luzu TV.

• 4 de septiembre: Black Eyed Peas.

• 5 de septiembre: Fatboy Slim.

• 8 de septiembre: Ozuna.

• 11 de septiembre: VWE.

• 12 de septiembre: Serú Girán.

• 13 de septiembre: Helloween.

• 14 y 15 de septiembre: La Reina del Flow.

• 16 de septiembre: 5 Seconds of Summer.

• 18 de septiembre: Cultura Profética.

• 19 de septiembre: El Mató a un Policía Motorizado.

• 20 de septiembre: Serú Girán.

• 22, 24, 25, 26, 29 y 30 de septiembre: Morat.

Dónde está ubicado el Movistar Arena

El estadio se encuentra en el barrio porteño de Villa Crespo, en Humboldt 450, con otro acceso sobre Avenida Corrientes 6094.

Su ubicación permite llegar mediante numerosas líneas de colectivo, además del tren San Martín, el ferrocarril Urquiza y la Línea B del subte, con la estación Dorrego entre las alternativas de acceso.

Septiembre, en definitiva, promete ser uno de los meses más activos del año para el Movistar Arena. La combinación de artistas internacionales, figuras de la música latina, referentes del rock y propuestas de distintos géneros convertirá al estadio en una auténtica maratón de espectáculos.

Para el público, la agenda ofrece una pregunta difícil de responder: no será qué ver, sino a cuál de todos los shows asistir.

La película dirigida por Daniela Goggi y protagonizada por Luis Machín reconstruye la figura de Ricardo Barreda, el cuádruple femicida que asesinó a su esposa, su suegra y sus dos hijas. Pero la historia no se detiene en el crimen: también interroga la perturbadora fascinación social que despertó el asesino.

Hay historias criminales que parecen resistirse al paso del tiempo. No porque sus protagonistas merezcan ser recordados, sino porque obligan a volver sobre una pregunta incómoda: ¿qué dice una sociedad cuando transforma a un asesino en una figura popular?

Barreda, la película dirigida por Daniela Goggi y disponible en Prime Video, se adentra en uno de los casos policiales más estremecedores de la historia argentina reciente. Pero su mirada intenta escapar del camino más previsible. No busca solamente reconstruir la vida y el crimen de Ricardo Barreda, sino explorar el fenómeno social que se construyó alrededor de su figura.

El resultado es una historia que vuelve a colocar frente al espejo una época, una cultura y una manera de entender —o de justificar— la violencia contra las mujeres.

Luis Machín interpreta al odontólogo platense con una actuación contenida, alejada de los grandes gestos y de la caricatura. Esa elección resulta central para el relato: el monstruo no aparece como una criatura excepcional, sino como alguien capaz de habitar la aparente normalidad.

Y quizás allí resida una de las claves más inquietantes de la película.

Un crimen que atravesó a la sociedad argentina

El 15 de noviembre de 1992, Ricardo Barreda asesinó a escopetazos a su esposa, Gladys McDonald; a su suegra, Elena Arreche; y a sus hijas, Cecilia y Adriana, en la vivienda familiar de La Plata.

La brutalidad del crimen convirtió el caso en una noticia de enorme impacto nacional. Sin embargo, con el paso del tiempo, algo todavía más perturbador comenzó a ocurrir: alrededor del asesino se construyó una extraña forma de popularidad.

Barreda dejó de ser solamente el nombre de un femicida múltiple para convertirse, en determinados sectores, en un personaje atravesado por bromas, canciones, frases y hasta expresiones de simpatía.

La película de Goggi pone el foco precisamente en ese fenómeno.

¿Por qué una parte de la sociedad encontró argumentos para relativizar sus crímenes? ¿Por qué la violencia ejercida contra cuatro mujeres pudo ser interpretada por algunos como una especie de venganza contra una supuesta vida de humillaciones?

Las preguntas resultan incómodas porque no pertenecen solamente al pasado.

El peligro de convertir al asesino en personaje

El cine y las series dedicadas a criminales enfrentan siempre un desafío: cómo narrar el horror sin convertirlo en espectáculo.

Barreda parece construir su relato desde esa tensión.

La figura del asesino está presente, inevitablemente, pero el interés no se limita a descubrir qué ocurrió aquella tarde. La historia busca comprender el contexto cultural que permitió que, después de semejante crimen, surgieran discursos capaces de humanizar al victimario mientras las víctimas quedaban progresivamente relegadas.

Ese mecanismo es una de las cuestiones más profundas que atraviesa el relato.

Durante años, el caso fue contado desde la figura de Barreda. Su personalidad, sus conflictos familiares y sus declaraciones ocuparon el centro de la escena. Las cuatro mujeres asesinadas, en cambio, muchas veces quedaron reducidas a nombres dentro de una crónica policial.

La película obliga a revisar esa desigualdad en la construcción del relato.

Luis Machín y una actuación sin estridencias

La interpretación de Luis Machín evita la exageración.

No hay un intento de construir a Barreda como un villano cinematográfico de gestos grandilocuentes. Por el contrario, el actor trabaja sobre la contención y el minimalismo.

La decisión resulta efectiva porque desplaza la idea tranquilizadora de que los monstruos siempre son reconocibles.

El horror puede esconderse detrás de una rutina.

Puede vivir en una casa familiar.

Puede tener un trabajo, vecinos y una vida aparentemente convencional.

La violencia machista no necesita una apariencia extraordinaria para existir.

Una película sobre algo más que Barreda

La verdadera fuerza de la propuesta está en que el título no termina de explicar por completo su tema.

La película habla de Barreda, sí. Pero también habla de quienes lo escucharon, de quienes lo justificaron y de quienes encontraron motivos para construir alrededor suyo una imagen que relativizaba sus crímenes.

Habla de una sociedad atravesada por una cultura profundamente machista, en la que durante mucho tiempo la violencia dentro de los hogares fue considerada un asunto privado.

Y habla también de la transformación que produjo el movimiento de mujeres en la manera de nombrar estos crímenes.

Hoy resulta imposible mirar el caso sin hablar de femicidio.

Esa palabra cambió la perspectiva. Permitió comprender que determinados asesinatos no eran simplemente tragedias familiares o conflictos domésticos que habían terminado de la peor manera.

Eran la expresión extrema de una violencia sostenida sobre relaciones de poder y desigualdad.

La pregunta que sigue vigente

Más de tres décadas después del crimen, la historia de Ricardo Barreda continúa generando interés.

Pero Barreda intenta que esa curiosidad no sea inocente.

La película propone mirar nuevamente el caso para preguntarse qué ocurrió alrededor del asesino. Qué discursos circularon. Qué prejuicios permitieron justificar lo injustificable. Y por qué las víctimas necesitaron tanto tiempo para recuperar el lugar central que la historia les había quitado.

Allí está la diferencia entre contar un crimen y pensar lo que ese crimen revela.

El monstruo, parece sugerir la película, no necesitaba una máscara.

Y el verdadero desafío para quien observa la historia tampoco consiste solamente en reconocer la monstruosidad del asesino.

La pregunta más difícil es otra: qué parte de la sociedad estuvo dispuesta a mirar hacia otro lado, a justificarlo o, incluso, a convertirlo en un personaje.

En esa incomodidad reside la potencia de una película que no utiliza el pasado como una pieza de museo, sino como una herramienta para interrogar el presente.

Porque recordar a Barreda no debería significar alimentar la fascinación por el criminal.

Debería servir, ante todo, para recordar a Gladys, Elena, Cecilia y Adriana y para comprender que ninguna cultura que banalice la violencia contra las mujeres puede considerarse definitivamente a salvo de repetirla.

La artista cordobesa presentó Más Allá, su primer álbum, en Niceto Club. En una noche atravesada por las raíces, la búsqueda personal y el encuentro colectivo, dejó en claro cuál es el corazón de su propuesta: “El amor es lo primordial, la comunidad, mi gente”.

Hay artistas que llegan a su primer disco como quien presenta una carta de presentación. Y hay otros que convierten ese momento en una declaración de identidad. PALO parece haber elegido el segundo camino.

La artista cordobesa presentó Más Allá, su álbum debut, en Niceto Club, y transformó el escenario en un espacio donde la música fue mucho más que canciones. Hubo memoria, raíces, pertenencia y, sobre todo, una idea que atraviesa su recorrido artístico: la construcción de comunidad.

“El amor es lo primordial, la comunidad, mi gente”, resume PALO al hablar de una obra que también funciona como un viaje personal hacia el encuentro con su propia identidad.

La presentación de Más Allá marcó un punto importante en la carrera de una artista que viene construyendo su camino desde una mirada profundamente ligada a sus experiencias, a sus orígenes y a la necesidad de encontrar una voz propia dentro de una escena musical cada vez más diversa.

Un disco para mirar hacia adentro

El título del álbum parece condensar una intención. Ir más allá de las etiquetas, de las fronteras impuestas y de las definiciones simplificadoras.

En la música de PALO aparece una búsqueda que no se limita al sonido. También hay preguntas sobre quién se es, de dónde se viene y cómo se construye una identidad en un país donde muchas historias y comunidades fueron durante décadas relegadas de los grandes relatos culturales.

La artista reconoce la importancia de sus raíces y del proceso de encontrarse con su propia historia. Esa búsqueda se vuelve parte esencial de su obra.

Porque en Más Allá la identidad no aparece como una consigna abstracta. Se transforma en experiencia, en recorrido y en materia artística.

La comunidad como refugio y como bandera

En tiempos en los que la industria musical suele poner el foco en el éxito individual, PALO propone otra mirada.

Su discurso coloca a la comunidad en el centro.

La música, en esa concepción, no es solamente una producción individual que sale al encuentro del público. Es también el resultado de vínculos, afectos, encuentros y experiencias compartidas.

“Mi gente” no es una frase casual. Es una manera de explicar desde dónde se construye un proyecto artístico.

La comunidad aparece como sostén, como memoria y como espacio de pertenencia.

Y quizás allí esté una de las claves para comprender el universo de PALO: su propuesta no busca hablar desde una identidad aislada, sino desde una historia que se reconoce en otras historias.

Las raíces que también hacen música

La cultura afroargentina ocupa un lugar fundamental en la construcción de nuevas miradas sobre la identidad nacional.

Durante mucho tiempo, la presencia afrodescendiente fue invisibilizada en el relato tradicional sobre la Argentina. Sin embargo, en los últimos años distintas expresiones culturales comenzaron a recuperar esas memorias y a disputar los lugares desde donde se cuenta la historia.

PALO forma parte de una generación de artistas que lleva esas discusiones al terreno de la creación.

Su recorrido personal se cruza con esa búsqueda colectiva. La música se convierte, entonces, en una herramienta para nombrar aquello que muchas veces permaneció oculto.

No se trata solamente de recuperar el pasado.

También se trata de discutir el presente.

De ocupar escenarios.

De construir representación.

De decir: estamos acá.

Niceto Club, una noche para ir “Más Allá”

La presentación del sábado 29 de agosto en Niceto Club tuvo el valor simbólico de un comienzo.

Un álbum debut siempre inaugura una etapa. Pero en este caso también funcionó como la celebración de un proceso.

PALO llegó al escenario con una obra que reúne búsquedas musicales y personales. El público acompañó una noche donde las canciones dialogaron con una historia mucho más amplia.

La presentación fue, en ese sentido, un encuentro.

Entre la artista y su gente.

Entre las canciones y sus raíces.

Entre la identidad individual y la construcción colectiva.

El amor como una forma de resistencia

Cuando PALO afirma que el amor es lo primordial, la frase adquiere una dimensión que supera lo romántico.

Hablar de amor también es hablar de cuidado.

De reconocimiento.

De comunidad.

En un contexto social marcado por la fragmentación y el individualismo, la idea de construir con otros puede convertirse en una posición artística y política.

PALO parece encontrar allí uno de los motores de su obra.

La música como lugar de encuentro.

La identidad como camino.

La comunidad como fuerza.

Y el amor como una forma de permanecer.

Con Más Allá, la artista cordobesa abre una nueva etapa y deja una certeza: su proyecto no pretende transitar los caminos conocidos. Busca explorar, preguntar y construir un espacio propio.

Un lugar donde las raíces no son una carga del pasado, sino una herramienta para imaginar el futuro.

Y donde la música, finalmente, se vuelve una manera de decir quién se es, de dónde se viene y con quién se quiere caminar.